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Lisel : “Antares Auto-Tune est devenu l’un de mes outils créatifs les plus précieux”

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La musique de la chanteuse et productrice Eliza Bagg réunit opposés. Chanteuse de formation classique spécialisée la polyphonie de la Renaissance, elle travaille également à la pointe de la musique expérimentale contemporaine.

Bagg a passé la dernière décennie à collaborer avec des innovateurs renommés – Ben Frost, Nico Muhly et l’ensemble pionnier Roomful of Teeth, pour n’en nommer que quelques-uns – tout en utilisant son travail en tant qu’artiste électronique solo pour dissoudre les frontières entre médiéval et moderne, minimaliste et maximaliste, l’homme et la machine.

Aussi à l’aise en solo avec le New York Philharmonic qu’elle traite des improvisations vocales à travers des chaînes d’effets complexes dans Ableton , Bagg synthétise un spectre d’influences diverses dans un projet singulier à travers sa musique en tant que .

Sur son nouveau disque, Patterns for Auto-Tuned Voices and Delay, Bagg pousse à l’extrême les capacités sonores de la voix humaine. Commençant par des improvisations vocales fondées sur la musique chorale médiévale et le minimalisme du XXe siècle, elle a transformé ces matières premières en de nouvelles formes grâce à des techniques de traitement vocal informées également par les techniques expérimentales de Holly Herndon et Lyra Pramuk car elles sont l’hyperpop enrobée de sucre de Charli XCX. .

“Je compte sur mon corps comme un objet et un instrument résonnant”, nous dit Bagg. « Mais j’ai développé un système de traitement vocal qui m’a permis de changer l’idée de ce qu’ mon instrument. Maintenant, ce qui commence à l’intérieur de mon corps et se poursuit sur l’ordinateur est un processus, et les idées qui en résultent sont mon instrument. Nous avons rencontré Lisel pour en savoir plus sur les idées, l’équipement et les techniques de studio derrière son approche radicale de la création musicale.

Quand avez-vous commencé à faire de la musique et comment avez-vous commencé ?

“J’ai de la musique à différents titres toute ma vie – j’ai grandi en jouant du violon classique, je suis passé au chant classique (opéra) à l’université et j’ai commencé à jouer dans un groupe folklorique à peu près à la même époque. Au début de la vingtaine, j’étais dans un groupe de rock avec quatre gars, et j’ai commencé à faire de la musique toute seule en tant que Lisel il y a environ cinq ans, en 2018.

“Pour être honnête, j’ai commencé à faire ma propre musique sérieusement quand j’ai eu Ableton et je me suis permis d’improviser et de m’amuser avec moins d’agenda, d’objectif ou de structure en tête – en pensant d’abord au son et au geste. J’ai passé cette première année à improviser tous les jours et j’ai fini avec tellement de matériel à superposer et à manipuler.

“J’apprécie vraiment un processus qui combine la liberté d’improvisation avec la précision, le labeur et le scrupule de l’écoute, de l’édition, de la manipulation – c’est là qu’Ableton a vraiment permis un nouveau type de flux créatif.

J’ai passé cette première année à improviser tous les jours et j’ai fini avec tellement de matériel à superposer et à manipuler

« J’ai été inspiré à l’époque par un bon ami à moi — le compositeur/musicien électronique Daniel Wohl — qui m’a vraiment encouragé à utiliser la plateforme. J’ai pu me libérer de certains blocages mentaux qui me barraient la route longtemps, une peur de rompre avec les formes traditionnelles et de me laisser aller à des impulsions.

“Je suis tombé sur des artistes qui utilisaient à la fois le son et la forme de manière inhabituelle – Oneohtrix Point Never, Kelela, Ryuichi Sakamoto, Kate NV, Meredith Monk, SOPHIE, Carl Stone. J’ai suivi un processus similaire lors de la création de cet album – un régime quotidien d’improvisations vocales.

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Parlez-nous de votre studio/installation.

“J’ai un home studio installé dans ma maison actuelle depuis mars 2020. J’ai quelques synthés sur lesquels je compte beaucoup – Juno-106, Moog Sub 37, Korg Minilogue, Korg Volca Keys et un Omnichord.

«Tout le traitement vocal est cependant effectué sur l’ordinateur – j’utilise les plug-ins Antares Auto-Tune et la plupart des retards sont uniquement dans Ableton. J’aime la simplicité de faire tant de choses à l’intérieur de la DAW – cela le rend très clair et il y a une belle relation avec l’intention artistique et la façon dont elle se manifeste visuellement sur l’ordinateur.

Le plug-in Antares Auto-Tune est devenu l’un de outils créatifs les plus précieux

“Cependant, j’ai parfois l’impression que la dépendance à l’ordinateur peut inhiber une sorte de hasard qui peut inspirer des impulsions créatives. J’aimerais incorporer plus de matériel dans ma configuration vocale, juste pour le processus de composition – ma relation avec certains plugins et traitements est devenue si familière qu’il est parfois agréable d’introduire un nouvel équipement inconnu qui contrecarre les voies confortables et habituelles formes créatives.

Quel DAW (ou DAW) utilisez-vous et pourquoi l’avez-vous choisi ?

“J’utilise Ableton – j’ai utilisé Logic dans le passé, mais je préfère vraiment Ableton lorsque je travaille parce que cela ressemble à un espace plus intuitif pour suivre les impulsions créatives. Pour une raison quelconque, cela a toujours permis plus d’expérimentation et un petit élément de chaos, dans la phase d’écoute, d’édition et de manipulation de mon processus – qui est généralement le moment où les pièces commencent vraiment à prendre forme.

De quel équipement de votre studio ne pourriez-vous pas vous passer, et pourquoi ?

“Le plug-in Antares Auto-Tune est devenu l’un de mes outils créatifs les plus précieux, et il est à la base de la plupart de mes travaux de composition pour les voix. Bien que ma voix soit mon instrument principal, j’ai vraiment l’impression d’avoir développé un nouvel instrument qui est ma voix par rapport aux différents plugins Auto-Tune et à tout ce qu’ils font, et je crée un travail autour de cet instrument spécifique.

Quel est le dernier ajout à votre studio ?

J’adore le Korg Minilogue, mais c’est très conforme. Le Sub 37 apporte sa propre personnalité à la fête

“J’ai acheté un Moog Sub 37 l’année dernière alors que je faisais mon dernier album, parce que je voulais un instrument qui avait son propre caractère et sa propre voix – et avait aussi beaucoup de qualités plus sombres, plus granuleuses et plus abrasives pour contraster la femme naturelle, nature éthérée de ma voix. Le Sub 37 donne l’impression d’avoir des opinions et une agence, et ses sons sont un collaborateur actif dans le studio.

« J’adore le Korg Minilogue, mais il est très conforme — il répond à mes besoins. Le Sub 37 apporte sa propre personnalité à la fête, et j’adore la tâche de nouer une relation, de créer un dialogue entre ma voix et l’un de ses personnages.

Quel équipement de rêve aimeriez-vous avoir dans votre studio ?

“Honnêtement, j’adorerais un très bon micro vocal – un Neumann ou quelque chose comme ça. J’ai enregistré tout cet album avec un AKG C214, ce qui est vraiment magnifique. Mais j’aimerais quelque chose de vraiment spécial, qui apporte sa propre qualité à l’instrument vocal.

Lorsque vous abordez une nouvelle piste ou un nouveau projet, par où commencez-vous ?

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« Je commence par l’improvisation vocale. Ma voix est mon outil le plus intuitif, j’ai passé presque toute ma vie à développer une intimité avec elle, ainsi qu’une confiance et une connaissance de celle-ci. Je l’ai fait à travers des cours de chant classique, en chantant dans des chorales d’église, en chantant dans des trios folkloriques, en chantant des airs d’opéra, en chantant dans la maison, en chantant avec Mariah Carey, en chantant de la musique acrobatique du XXe siècle comme George Crumb et Philip Glass, en improvisant avec copains.

“Je crois vraiment au puits profond que sont les années que j’ai passées à le nourrir en tant qu’instrument créatif, et je pense qu’il y a une infinité d’idées qui peuvent en découler. Je permets à ma voix de créer des impulsions sonores, gestuelles et mélodiques – puis je monte !

LISEL

(Crédit image : Kathryn Vetter Miller)

Vers quels autres artistes vous tournez-vous pour vous inspirer ?

«Tellement, et de partout. Je suis très influencé par l’univers du chant choral de la Renaissance et du Moyen Âge : messes, motets et mélopées d’Hildegarde, Tomas Luis de Victoria, Carlo Gesualdo, Thomas Tallis, Guillaume Dufay, William Byrd, Monteverdi, etc. cantates et passions de JS Bach. J’ai passé tellement de temps à chanter cette musique qu’elle s’est frayée un chemin dans mon corps. Cela s’applique également au travail de compositeurs classiques contemporains tels que David Lang, Caroline Shaw, Meredith Monk, Philip Glass et Steve Reich.

J’ai passé tellement de temps à chanter cette musique, elle a fait son chemin dans mon corps

« En fait, je passe aussi beaucoup de temps à écouter des artistes pop actuels, comme Charli XCX, Rosalia (mon artiste la plus écoutée !), Kelela, Empress Of, Tirzah, Grimes ainsi que des artistes de mon enfance Mariah Carey, Brandy, Air, Aphex Twin (albums précédents), Stereoloab, Broadcast, Cocteau Twins.

“Évidemment, je suis aussi inspiré par tant d’artistes électroniques/expérimentaux actuels comme Kate NV, Kaitlyn Aurelia Smith, Lyra Pramuk, Holly Herndon, Anna Meredith, Laurel Halo, Mary Lattimore, SOPHIE, Lucretia Dalt, Jlin, Jenny Hval, Eartheater, Oneohtrix, virgules flottantes – et bien d’autres. Et bien sûr, les légendes expérimentales Laurie Anderson, Carl Stone, Suzanne Ciani, Kate Bush et Jon Hassel.

Si vous deviez choisir une chanson/un album qui a le plus influencé votre travail, quel serait-il ?

“Si difficile! Je suppose que je pourrais dire quelque chose comme Björk Homogènejuste pour le nombre d’heures que j’ai passées avec la musique pendant de nombreuses années, et comment j’ai eu l’impression que cela m’a donné la permission d’expérimenter avec les sons et la forme.

Selon vous, qu’est-ce qui vous rend unique en tant que producteur et musicien ?

“Je pense que mon expérience en tant que chanteur professionnel dans une discipline totalement différente me permet d’apporter un ensemble différent de références et de langages musicaux à mon travail – et que l’une de mes préoccupations artistiques est de créer un lien musical substantiel entre le monde de la musique électronique/expérimentale et celle de la musique classique ancienne et nouvelle.

“L’autre moitié de ma vie se passe dans une relation sérieuse avec la musique vocale écrite avant 1750, ainsi qu’avec la musique en cours d’écriture au sein de l’institution “classique”, ce qui signifie simplement qu’elle prend en considération les valeurs et les traditions de ce genre autant comme toute autre chose.

Mon expérience en tant que chanteur professionnel dans une discipline totalement différente me permet d’apporter un ensemble de références et de langages musicaux différents à mon travail.

“Travailler dans ce domaine s’accompagne d’une connaissance d’un tout autre ensemble de préoccupations idiosyncratiques qui me sont profondément familières, dans les processus de répétition, dans les conversations sur la forme, l’harmonie et le concept – il a son propre langage interne que l’on ne peut apprendre qu’après passer des années dans les salles de répétition, les coulisses, les salles de concert avec la musique et les praticiens. En dehors de cela, il y a juste une aisance profonde avec un tout autre répertoire que j’essaie constamment de faire dialoguer avec les sons et les technologies contemporaines.

Le nouvel album de Lisel, Patterns For Auto-Tuned Voices and Delay, sortira le 17 février via Ba Da Bing. (s’ouvre dans un nouvel onglet)

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